martes, 30 de agosto de 2011

Blue Phantom !


Una portada experimental a la altura del progresivo italiano. Estos chicos adictos al Jazz, Fuzz, Progresivo, Proto-Doom, Stoner y música experimetnal hacen de este disco una barbaridad en todo su conjunto, toda la linea "progresiva" de la banda se mantiene en puras sesiones de guitarras ácidas y oscuras, mientras un destello de efectos con el teclado deslumbra el paraíso de las tinieblas, quisiera saber si la mayor linea de Pianistas, tecladistas se desarrollaron en Italia, por que cada banda progresiva de "la bota de Europa", bueno que he escuchado son maravillosos e increíblemente técnicos.

La guitarra suena asombrosa, el efecto Wah Wah es un punto donde reencarna a Hendrix mas notorio en el tema Psycho Neboluos. Cancion lenta, repetitiva pero definitivamente nos dieron a entender algo, buscaban un Jamin' al mezclar la danza de la guitarra con el solo del sintetizador. Atmósfera que nos entrega un sonido monstruoso altamente "tecnológico" para aquel tiempo, pareciera el tiempo donde muere lentamente una persona, de película.

Nos presenta una optima performance instrumental ya que cuenta con un "moog" muy a la italiana, guitarras fuzz, intensos cambos de ritmos y un prometedor ambiente psicodelico. Son duda una autentica MASTERPIECE de Psych Prog. Los primeros temas son avasalladores, una mescolanza de Hard Rock Psicodelico mas tirado para Hxc Punk Psych, que vienen a romper con toda barrera establecida en lo que música progresiva "soft" se refiera. Una Revolución rompe cráneos, que nos infla de agresividad y confortabilidad.



martes, 23 de agosto de 2011

Quincy Jones !


Se me ocurren toda una serie de estereotipos para encasillar a este brillante personaje: filantropo, erudito, GENIO. Todo un cosmopolita perteneciente al mundo del espectáculo. A navegado por los mares del cine, música y televisión. En el ámbito musical, a cumplido funciones de compositor, director, arreglista, etc. Un legendario productor afroamericano que vale la pena recordar.

Su ámbito de interés musical abarca desde R&B, jazz fusión y swing. Asimismo, es interprete ocasional de trompeta, piano y se maneja espléndidamente con los micrófonos.
En 1950 viaja a NY donde se dedica a escribir, arreglar y grabar a bandas que tocan en los clubes de jazz de la ciudad. Alli es donde conoce y se relaciona con Thelonius Monk, Charlie Parker, Billie Holiday, Gene Krupa, Miles Davis y su intimo amigo Ray Charles, con quien se había relacionado en Seattle en la adolescencia.
Luego de profesionalizar su carrera en Paris y estudiar composicion, a mediados de los 60's regresa a NY donde se convierte en vicepresidente de Mercury Records. En alli donde su nombre comienza hacerse conocido en toda la órbita.

En lo que respecto al cine, graba la banda sonora de "El Prestamista" dirigida por Sidney Lumet, siendo el primer afroamericano en componer para la industria del cine. Otras películas para las que compuso fueron "A sangre Fría" basada en el libro de Truman Capote y dirigida por Richard Brooks, "El Color purpura" dirigida por Steven Spielberg, por nombrar las mas relevantes.

Como productor es famoso, sobre todo por haber sido coproductor de los tres álbumes mas connotados de Michael Jackson: Off the wall, Thriller y Bad. Dirigió la orchesta de Frank Sinatra y produjo el ultimo disco de "La Voz" con temas originales, no recopilatorios.

En el tema que nos convoca, como director de big bangs tras haber participado de varios proyectos enfocados a un jazz de salón, en 1969 se la juega por innovar en nuevas aguas. En así como nace "Walking In Space", el excéntrico de su colección.


Gene Krupa & Buddy Rich !



Buddy Rich - Bateria
Gene Krupa - Bateria
Ray Brown - Contrabajo
Herb Ellis - Guitarra
Oscar Peterson - Piano
Flip Phillips - Saxo Tenor
Illinois Jacquet - Saxo Tenor
Dizzy Guillespie - Trompeta
Roy Eldridge - Trompeta

Buddy Rich (1917 - 1987) Este tarrero si que poseia una técnica perfecta y una inventiva inagotable. Su forma de tocar se veía beneficiada por un ejemplar estado físico, lo que hacia que fuera extremadamente difícil superarle en los tarros, a pesar que se enfrento musicalmente a bateristas del nivel de Elvin Jones, Art Blakey, Gene Krupa o Max Roach.

Gene Krupa (1909 - 1973) Fue engendrado con un talento innato para el espectáculo, esto en la era del swing era altamente recompensado. Con una audiencia totalmente entregada y enfervorizada en los míticos salones de baile, este extraordinario músico se convirtió en uno de los grandes instrumentistas de la era del swing, y desde luego el primer batero de renombre en la historia de la música.

Con los datos sobre la mesa, saque usted sus propias conclusiones. Probablemente después de escuchar a estos dos gigantes empieces a ser mas responsable a la hora de soltar un "Vaya! que gran solo de batería!!!". En el disco Krupa y Rich se lanzan en una batalla de baterías sobre un fondo de jazz al rojo vivo. Todo el mundo a la pista!


miércoles, 15 de junio de 2011

VA - For a Few Fuzz Guitars More !


Continuando la secuencia de las guitarras ácidas distorsionadas y punzantes que bailan al compás del delirante sonido FUZZZ, emerge de ultratumba este obscuro compilado que pasaría a ser el volumen II de la entrega anterior. Sin nada mas que acotar, dejo la opinión abierta a sus oídos libres de analizar.

pass: cazorla

Y con ustedes el clasico western protagonizado por la leyenda en vida Clint Eastwood, "For A Few Dollar More" (1965)

VA - A Fistful of Fuzz !



Fiel a su nombre, "Por un puñado de FUZZ", este energético compilado nos ofrece una gran cantidad de material punzante, capaz de volarle la caspa al mas calvo de los calvos. Sorprende el sonido garagero-punk de la mayoría de las pistas, en el contexto histórico en el que se encuentran las bandas al grabar estas delicias sonoras; finales de los '60. Claramente influenciados por el alto nivel psicodelico en alza; por el lado lisérgico nos viene a la mente el sonido de San Francisco, especialmente por los ya gigantescos Jefferson Airplane, y por el lado ácido del heavy los Blue Cheer.

Como era la consigna, el tema a tratar en las letras rondaba el discurso social de lo mas recurrente en los '60: drogas, sexo, la brecha generacional, la espiritualidad, la individualidad, etc. Un álbum conciente y critico en oposición al power-flower que inyectaba de "buena onda" a las mentes nacientes del groovy.

Repleto de buenos solos, ritmos atemorizantes, instrumentos atrapantes, voces celestiales y dementes... este compilado une lo mas salvaje y controversial del garage-punk, con la exquisitez musical que ya estamos acostumbrados de la psicodelia, y que con el toque preciso de fuzz, forma una masa amorfa, una mescolanza indescriptible, lo suficiente como para rasgar cualquier lóbulo firmemente sujetado a las mal acostumbradas orejas perdidas en el mundo de la emisoras radiales controladoras del poder dominante musical.

pass: mza-garage

viernes, 3 de junio de 2011

Luca George Prodan

¿Alguna vez escuchaste Sumo? Pues si no…hazlo! Y si sí….pues ya sabes quién es este señor. Luca antes de formar Sumo estuvo en Córdoba, con Daffunchio y Sokol, tocando en fogones nocturnos entre las sierras, escapando de sus adicciones y sintiendose libre por primera vez en mucho tiempo. En ese momento Luca decidió volver a Londres y vender todo y volver con una portaestudio de 4 canales, una caja de ritmos, un bajo, una viola y yo que se que más. Entre el 81 y el 83, con estos instrumentos y sus amigos grabó una serie de temas que en el 96 y 97 fueron editados oficialmente. Estas dos compilaciones muestran el corazón de esta persona y su calidad y oido musical, su capacidad como letrista, pero principalmente muestran la facilidad que tenía para conmovernos, para generar el clima perfecto y entrarnos en la cabeza.


Editado posmortem, técnicamente representa el paso solista que podía vislumbrarse a fines de 1987, cuando Luca se fue. Se trata una serie de bocetos de futuras canciones de Sumo, un par de registros de aquellas sesiones experimentales y unplugged de Traslasierra y canciones con entidad propia.



Este es un disco póstumo… de temas inéditos que Luca grabó, ayudado por algunos de los Sumo. Un tema de Lou Reed, otro de Bowie y algún ritmillo a modo reggae para cerrar. No tan rockero ya, pero bucólico, poético, sincero y hermoso… como somos todos los perdedores. Disco indescriptible y absolutamente accesible a cualquier oido.

sábado, 7 de mayo de 2011

El Reloj - Cronología I (1975, Argentina)



Esta es una de las bandas mas especiales del rock argentino que he escuchado y que no me deja de sorprender la escasa difusion que ha tenido. Nacen por 1971 y su estilo hard rock es muy cercano a Deep Purple, pero creo que eso sirve solo como una referencia porque si hay algo que los caracteriza es lo original de su sonido. Grabaron dos singles entre 1973 y 1974 llegando a superar las 100.000 copias vendidas, un exito increible, pero no sacarian su primera placa sino hasta 1975.

Herederos de sangre purpura, practican un hard crudo y progresivo que avanza como una salvaje estampida, arrancando el prado desde la raíz. La avasalladora sección rítmica al mando de Juan Esposito apodado como la Locomotora -del cual se dice fue de los primero en introducir en estas latitudes el uso del doble bombo- es sencillamente abrumadora, si a eso le sumamos el trabajo de Eduardo Frezza en el bajo a manera de cañón escupe balas, la punzantes guitarras de Willi Gardi en compañía de Zabala, sin olvidar a Valenti en los teclados tendremos fácilmente una de las agrupaciones mas robustas del continente, misma agrupación que debe su reconocimiento a la más efectiva forma de publicidad: el boca en boca. Inolvidables temas como la galopante ‘’Alguien más en quien confiar’’, ‘’Obertura’’ con sus burbujas de agua hirviente y la extraordinariamente lapidaria ‘’Blues del atardecer’’ es lo que traen en este primer artefacto hecho de forma salvaje y apasionada. Siendo files a su nombre, precisos como reloj.


Pass: sonidos-primitivos

Pax (1970, Perú)


Uno de los mas discos mas descomunales de la historia del rock pesado Latinoamericano, con un sonido sucio y salvaje, riff creativos y base rítmica machacante componen esta animalada sónica, donde la única afirmación permitida nos revela la poca suerte y el gran talento encerrado en su línea.

La historia nos descubre un Perú bajo un gobierno militar de nacionalismo recalcitrante y unos jóvenes inconscientes sin más armas que la soberbia de sus instrumentos. Tiempo en que Ego ‘’Pico’’ Aguirre -el hombre tras la guitarra-, en compañía del resto de sus compañeros deciden emprender un proyecto donde puedan plasmar sus principales influencias: Deep Purple, Sabbath y Hendrix.

Para darse cuenta del resultado, solo hay que poner la apertura con ‘’A Storyless Junkie’’ y sentir como se hinchan tus venas y te hierve la sangre a través de sus efectivos arreglos instrumentales o ‘’Rock an' Ball’’ y su estupendo riff de apertura. Personalmente temas como ‘’Deep Death’’ con su ambientación lúgubre y episodios de guitarra y órgano que se mueven lentamente creando un aura tensa, también ‘’Green Paper’’ o la estupenda ‘’Pig Pen Boogie’’ que sin duda no los dejara impávido y que hoy en día -junto a otros temas clásicos de la banda- ha sido ‘’actualizado’’ y adaptado al español con el título de Boogie del Chiquero.

Días de Blues (1972, Uruguay)


La discografia de bandas setenteras uruguayas quiza no es muy extensa y muchos de ellos terminaron confundiendose como musicos argentinos, pero la verdad es que en los setentas existieron bandas muy potentes y de muy buena factura en Uruguay, una de ellas era Opus Alfa, de esta banda salieron tres de sus integrantes y formaron "Dias de Blues" . El formato de "Power Trio" queda muy bien reflejado aca, si bien su nombre y estilo indica la tendencia blusera, esta es mas cercana al power de Cream o Humble Pie.

Para la historia han quedado composiciones como ‘’Amasijando los Blues’’ o ‘’No podrán conmigo’’ convertida en una especie de himno personal contra los ‘’envejecidos’’, donde se dejan de tanto cuento y van directo al grano… En ‘’Cada hombre es un camino’’ rinden pleitesía con su herencia Blues y en la simpática ‘’Esto es nuestro’’ lanzan una pequeña protesta, finalizando con ‘’Toda tu vida’’ una bomba ruidista disfrutable a mas no poder. En lo partículas me gusta mucho el trabajo vocal, a mi parecer, producto de gargantas amantes del alcohol al 98% que de cualquier otra cosa.

Nahuatl (1974, México)

Formados en 1972 en México, inspirados probablemente por grupos donde se cantaba en ingles tales como Zeppelin y Sabbath y toda la oleada de rock psicodélico, ellos deciden hacer sus propias canciones pero con sus letras totalmente cantadas en español.Sus miembros son: Ricardo Ochoa a la guitarra y voz, Ramon Torres al bajo y voz, y Carloz Vazquez a la batería.

Provenientes de la banda Peace and Love que actuaron en el mítico festival mexicano de Rock y Ruedas en el pueblo de Avandaro, Estado de México y llevado a cabo el 11 y 12 de septiembre de 1971 se desprendió este Power Trío el cual es una muestra de la represión que hasta hoy en día sigue en pie aquí en México y la razón por la cual la música Rock en general sigue estando "bajo el agua" y nos siguen embarrando sus artistas desechables. La calidad es tan buena que bien se pude decir que son los Led Zeppelin mexicanos, desgraciadamente desde la censura del festival de Avandaro con la frase de "Chingue su madre el que no cante" cosa que al mismo tiempo fue sacado del aire en la radio mexicana y en la televisión hubo una fuerte represión en contra de los hippies, rockeros y demás que hasta nuestro "presidente" de aquel entonces Luis Echeverría censuró cualquier cosa que sonara a rock ya sea psicoldelico, o rock duro. Desde ese entonces el film del mítico festival de nuestros padres "Avandaro" se encuentra en cualquier lugar guardado en los archivos de "TELEVISA" prohibido a la vista del publico y tacharon a todo rockero como mariguano, mugroso, vago y es entonces que la escena se perdió totalmente solo algunas bandas lograron mantenerse en un estado de coma durante las siguientes décadas del dominio televisivo y su porquería de programas tales como "siempre en domingo" dedicado a artistas plásticos y la represión total de artistas mexicanos, jóvenes con las ganas de hacer rock autentico

Mucha gente perdió la fe en el producto mexicano restante después del "agujero negro" y es como se refugiaron en bandas extranjeras cosa que mató al rock mexicano y que desgraciadamente hasta hoy en día jamás ha sido recuperado. Después viene la escena punk y del heavy metal pero eso es otra historia, y censurada igualmente!

El disco es verdaderamente una patada en los cojones y una joya perdida en la represión de los medios de comunicación mexicanos hacia el rock setentero que maduró pero en un estado vegetativo.

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Twink - Think Pink (1970)

John Charles Alder baterista de la primera encarnación de Pink Fairies, la misma que dio a luz el potente ‘’Never never land’’ que tanto levanto ampollas en la escena underground de Londres, lo vemos esta vez en solitario y bajo el nombre de ‘’Twink’’ lanzarle al mundo un escupitajo sonoro de horizontes difuminados que convergen en una forma casi lasciva, en piezas descontroladas que van desde el acido propio de la época, hasta puntos tribales.

El hilo conductor de esta placa parece ser la elevación a través de los medios más caóticos. Con la ayuda de su compañero en Pink Fairies ‘’Paul Rudolph’’ en la guitarra psicotrópica y otros miembros de la psicodelia inglesa de finales de los sesenta, crean piezas densas, estrambóticas y entregadas a la libre experimentación, donde las liricas pueden tornarse oscuras.El disco empieza con ‘’The coming of the other one” de esencia krautrock, entre sonidos étnicos producidos por el citar, gritos y aullidos desesperados que parecen corresponder con aquella vieja visión del apocalipsis y que se abre precisamente con una breve lectura de la profecía de Nostradamus del fin del mundo en 1999. Luego arremete ‘’Ten Thousand Words in a Cardboard Box’’ pieza cargada de psicodelia, guitarras densas y sucias, atmosfera terrorífica pero agradable y que sin duda llega a viciar al escucha desde la primera vez. Hasta piezas como ‘’Fluid’’ que es un orgasmo entre la agonía del placer sexual en todo el sentido de la palabra y guitarras espaciales o ‘’Mexican grass war’’ de esencia tribal y percusiones poderosas.

En definitiva, un álbum extraño pero envolvente de principio a fin. Así que no resta mas que participar de las visiones de su efecto alucinado.


PASS: sonidos-primitivos

Pink Fairies - Finland Freakout (1971)



Que puede ser mejor que abominables altas amplificaciones de distorciones amortizables? Este álbum patea traseros, el festival comenzó en Finlandia en el Ruisrock Festival que duró tres días de pura magia, el álbum comenzó tomando ese clásico sonido conTomorrow Never Know de los Beatles, pero ese sonido no hizo mover la melena de los demás, así que subieron el volumen al amplificador y a darle al Stoner Rock.

Psicodelia pura entró en las venas de los fanáticos, la última canción fue penetrante Uncle Harry's Last Freakout denota la última pieza pesada del disco con 20 minútos, de verdad este álbum suena realmente al Stoner Viejo, que buena reseña nos dió el concierto y una de las mejores grabaciones que he escuchado.


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Pink Fairies - Never Never Land (1971)




En los movimientos hippie con alta psicodelia y consumo de drogas para apetecir más el rock podmeos encontrar a esta banda tan espectacular, cabe destacar que son llamados el síndrome de una joventud rockera que daba gustos al público en los conciertos de manera gratuita, expresaban de un tal modo la anarquía en su música lo que más comúnmente se denomina el Punk, pero estos rockeros acostumbraban a llamar la atención en los conciertos haciéndo una que otra estupidez con trucos para entrener al jurado, en la cumbre del Reino Unido estos rockeros nacieron de ritmos básicos de los Beatles, aunque definitivamente este grupo no asecha ningpun sonido de los Beatles, pero artamente esa guitarra suena poderosa y lista para destozar oídos!!, con un toque grave de distorsión en la guitarra y riffs naturales de Hard Rock/Proto-Punk han sido y venido una fuente de expiración para muchas bandas como Motorhead y Hawkwind, posiblemente tan grande para ser influencia para Lemmy pues aunque no se diga que Motorhead es Speed Metal siempre tiene esa escencia de Punk en sus canciones, agresivar y super rápidas, lo que más empalaga de los Pink Fairies es su gran sonido psicodélico y sus altas manifestaciones en las canciones la canción Do It es un gran ejemplo de ello, rebeldía y rudeza, podemos encontrar un track de Stoner Doom, bueno eso así yo lo llamaría, ya que la canción Thor demuestra su gran impulso sobre la distorsión del guitarrista, quizá fue una pieza progresiva pero sumamente pesada con una atmósfera de puro poder eléctrico. Come to the PINK universe!


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miércoles, 6 de abril de 2011

Psiglo !



Eran otros tiempos, Uruguay vivía años de convulsión y contradicción. Era el fin del proceso político y social que llevaría al golpe de Estado del 27 de junio de 1973. La cultura uruguaya, vivía uno de sus períodos más febriles y de mayor expresión creativa. La literatura uruguaya, vivía el auge de la llamada "generación del 45", de las cuales surgirían autores de la talla de Mario Benedetti, Eduardo Galeano y Juan Carlos Onetti. La música uruguaya, nacida de las experiencas de los Shakers ("Los Beatles uruguayos, según la revista Pin Up de aquellos años) de los hermanos Osvaldo y Hugo Fattoruso, músicos de jazz provenientes del Hot Club serían el antecedente junto a Gastón Ciarlo (Dino) y su insigne canción "Milonga de pelo largo".

Cinco cabezas para una sola, como aquel emblemático cerebro de "Ideación", primer LP de oro de la historia del rock uruguayo, creado por el artista plástico, escenógrafo de Canal 5 y cantante de la banda, Ruben Melogno. Psiglo, es la consecuencia de todo un proceso histórico en Uruguay y uno de los frutos de una generación que vivía inmersa en una gran explosión cultural, realidad compartida en toda Sudamerica, silenciada por la autoridad suprema que oprimia las mentes libres del pueblo sudaca.




El disco es un trabajo que no tiene nada que envidiarle en materia de composición y estética a muchas bandas norteamericanas e inglesas. Probablemente, y junto a "Los delirios del Mariscal" de Crucis y "La Biblia" de Vox Dei, sea el equivalente del subdesarrollo sudamericano de obras magnas como "Machine Head" (Deep Purple), "Going for the one" (Yes), "Lizard" (King Crimson) o "Demons & Wizards" (Uriah Heep). Florecen una gama de sonidos e ideas melódicas, pero también fuerza, garra y sentimiento. Una colección de canciones que se convertirán en himnos para los de esa generación y aún para aquellos que crecieron sin verlos (porque mediaba el silencio impuesto por quienes consideraban que la cultura, molestaba al poder omnipresente que ejercían).

Con notorias influencias clásicas y bluseras de bandas pilares del hard rock inglés como Deep Purple, Uriah Heep y King Crimson, agregaron una particular visión del mundo de hoy en temas como "Cambiarás al hombre", con sus aires a "Fireball" de Deep Purple y su mundo de sueños de un hombre nuevo en "Vuela a mi galaxia", un tributo a "Easy Livin" de Uriah Heep y "Highway Star" de Deep Purple que 20 años más tarde versionarían los postpunks Séptimo Velo y los heavys Alvacast. La introducción de percusión y elementos del candombe en su pop song e himno "En un lugar un niño". La mezcla de elementos "progresivos" a la Emerson, Lake & Palmer en "Piensa y lucha" y el blues in crescendo de "Es inútil", hablaba de la versatilidad estilística y la capacidad instrumental pocas veces vista y cristalizada en "Ideación", primer magnum opus del conjunto. No es sólo un álbum de importancia olvidado en un cajón empolvado de recuerdos. Es un tributo del pasado que conforma también nuestro presente.


jueves, 10 de marzo de 2011

The West Coast Pop Art Experimental Band !



Grupo de pop psicodélico y folk rock de los años 60, influenciados por los Byrds y Frank Zappa, y por bandas británicas como The Kinks, The Who o The Beatles. Telarañas de guitarras repicantes, armonías deleitables, melodías estupendas, refinados arreglos y textos embebidos en lisergia en piezas de dos minutos, algunas de ellas desarrolladas en las estructuras tradicionales y otras significadas por un alto grado de experimentación.

La banda, surgida en Los Angeles en la segunda mitad de los años 60, estaba compuesta por el cantante, guitarrista y teclista Michael
Lloyd, el guitarra rítmica Dennis Lambert, el bajista y vocalista Shaun Harris (hijo del compositor Roy Harris) y el batería Daniel Belsky. Al margen de los músicos se encontraba Bob Markley, un adinerado personaje deseoso de formar parte de un grupo que firmaba la producción y gran parte de las composiciones originales. Markley había publicado a comienzos de los 60 un single titulado “Will we meet again”.

La génesis de la West Coast Pop Art Experimental Band se encuentra en The Laughing Wind, un combo formado a mediados de la década por los hermanos Harris (quienes previamente habían estado en The Snowmen) y Michael Lloyd (quien había tocado con el grupo surf The New Dimensions), al que se uniría el batería Daniel Belsky. El encuentro con Markley, hijo de un magnate petrolífero con ansias de ligar chicas formando parte de un conjunto de rock, les sirvió para financiar el equipo técnico. También asumió tareas compositivas y tocaba la pandereta.



Su primera grabación oficial, el Lp “West Coast Pop Art Experimental Band” (1966) se realizaría en el sello Fifo y solamente se publicarían cien copias. Incluía versiones como “You really got me” de los Kinks o varios covers de Bob Dylan, como “(It’s all over now) Baby Blue” o “She belongs to me”, y unos cuantos temas propios, escritos por Markley, como “Don’t break my balloon” o “Insanity”, canción co-escrita por su buen amigo, Kim Fowley.

Para la grabación de su segundo disco, el grupo consiguió un contrato con una compañía más poderosa, Reprise Records. “Part One” (1967) presentaba una nueva formación. Se marcharon de la banda Dennis Lambert y Daniel Belsky y se incorporaron el hermano de Shaun, Danny Harris a la guitarra rítmica, el guitarra líder Ron Morgan y Hal Blaine a la batería, con participaciones en las baquetas también de Jimmy Gordon. El disco es una de sus cumbres como autores, con pop psicodélico de gran calibre atmosférico, folk-rock y cortes experimentales. El single elegido, publicado en febrero del año 1967, sería “1906”, uno de los temás menos comerciales y más lisérgicos del álbum. La cara b era “Shifting Sands”, un espléndido tema psicodélico con un atractivo ritmo de vals. Entre las composiciones más melódicas destacan las byrdsianas “I won’t hurt you” y “Transparent day” o la acústica “Will you walk with me”. Entre sus versiones destaca el cover de Frank Zappa “Help, I’m a rock”, tema que se convertiría en su segundo sencillo.

Su segundo trabajo en Reprise sería Vol. 2” (1967), un disco en el cual los mandos fueron tomados definitivamente por Barkley. Michael Lloyd abandonó el grupo y los temas se centraban en la psicodelia experimental, hecho que agradaba en demasía a Bob, quien intentaba emular los discos de Zappa. El Lp está ya compuesto en su totalidad por los miembros de la banda. “Smell of Incense”, canción co-escrita entre Barkley y Ron Morgan sería el single elegido para presentar el álbum.



En
“A child’s guide to the good and evil” (1968), la banda retornó a la escritura de piezas más comerciales, con la atractiva mezcolanza del “Part One”, con temas, siempre dentro de la psicodelia y el folk-rock, caracterizados por espléndidas melodías y armonías y cortes experimentales. Tras este Lp el grupo dejó Reprise y publicó su siguiente disco en el sello Amos.
El resultado fue caótico,
"Where’s my daddy?” (1969), con el single “Free as a bird”, presentaba una colección de canciones fallidas y complacientes con pretensiones conceptuales. Michael Lloyd retornaría al grupo, completado en esta ocasión por Markley y los hermanos Harris, para grabar “Markley, a Group” (1970), un apreciable Lp publicado en Forward que incluía competentes temas como “Booker T & His Electric Shock”, “Elegant Ellen” o “Next plane to the sun”.

La falta de éxito y las tensiones internas derivadas de la egolatría de Markley terminaría por romper la formación. Los hermanos Harris formarían The California Spectrum para posteriormente grabar discos en solitario. Michael Lloyd, quien fundó el grupo The Smoke en 1968, se convertiría en un experto productor y arreglista. Por su parte, Bob Markley, de quien siempre se ha dudado su real incidencia dentro de la banda como compositor y músico, produjo un disco en 1969 a J. J. Light, para después desaparecer de la industria musical.

The Chocolate Watch Band !


Este grupo americano, formado en 1965 en California, practicaba un garage, con guiños a la psicodelia que surgía de las islas británicas, influenciado por los Yardbirds y, sobre todo, por los Rollins Stones y estaba compuesto por el cantante David Aguilar, los guitarristas Sean Tolby y Mark Loomis, el bajista Bill Flores y el batería Gary Andrijasevich. Tras una serie de exitosos conciertos en San Francisco y unos singles de escasa resonancia, consiguen grabar su LP debut, el ya mítico No Way Out.

No Way Out (1967)
Gran disco debut en el que los californianos mixturan R&B, surf y psicodelia, dando como resultado lo que en la década de los 70 se llamó garage.

Como era habitual en las grabaciones de este tipo de grupos, el disco está compuesto en su mayoría por versiones de temas ajenos y de composiciones de su manager y descubridor, Ed Cobb y del arreglista Don Bennett (que además pone su voz en Let's Talk About Girls, en In The Midnight Hour y en Hot Dusty Road), pero ello no resta ningún mérito a la banda, ya que las canciones están ejecutadas con una crudeza y una energía que hacen imposible ver con malos ojos algo de lo que ofrece este disco.

Además de los citados temas, destacaría su versión del Come On de Chuck Berry (el que fuera primer single de los Stones) y un par de instrumentales psicodélicos en clave de surf, Dark Side Of The Mushroom y Expo 2000. Pero si tuviera que elegir sólo una canción, esta sería Gone And Passes By, ¡siento debilidad por esos sitares!

Tras la salida al mercado de su primer álbum, los Chocolate Watch Band se desintegran, quedándo como únicos miembros el bajista Flores y el guitarrista Tolby, ¿la razón? la poca libertad que les daba su manager Ed Cobb. Al igual como ocurrió a otros grupos de corta duración de los 60's, el que llevaba las riendas y decidía qué y cómo tocar era el manager, hasta tal punto que la banda en muchas ocasiones ni siquiera se encargaban de grabar las canciones, quedando limitadas sus funciones a defender los temas en directo y a dar una imagen.

El caso es que los Watch Band desconocían los propósitos de Cobb, y cuando descubren que en algunos temas del No Way Out el que cantaba era el músico de sesión Don Bennett y que a otros temas se les había añadido efectos psicodélicos, dando como resultado algo que no se parecía mucho a lo que habían grabado, se desaniman y abandonan el barco.

¿Pero para qué necesito a los miembros de los Chocolate Watch Band si el nombre es mío? Es es lo que pensaría Cobb, que ni corto ni perezoso, contrata a unos músicos de sesión y utiliza algunos temas completos y demos que quedaban de las sesiones de grabación del No Way Out para publicar el segundo larga duración de los californianos, The Inner Mystique.

The Inner Mystique (1968) A pesar de las condiciones en que fue grabado, The Inner Mystique es un álbum espléndido. Se trata de uno de los discos más adultos y con mayor riqueza arreglística del garage. Tanto las composiciones psicodélicas de Cobb (Voyage Of The Trieste e Inner Mystique) y los temas cantados por Bennett (In The Past, Let's Go, Let's Go, Let's Go y Medication), como los temas interpretados por los auténticos Watch Band (especialmente destacables las versiones del I'm Not Like Anybody Else de los Kinks y del It's All Over Now, Baby Blue de Dylan) son de gran calidad y convierten a este Inner Mystique en un álbum, por lo menos, a nivel de su estupendo debut.

Algo curioso que ocurre con los Watch Band es que, a diferencia de otros grupos garageros que se han convertido en bandas de culto, ellos nunca tuvieron ningún hit single. Sus canciones y sus discos siempre pasaron desapercibidos y el escaso número de ventas los dejaban muy lejos de los charts americanos. Pero parece que eso a su discográfica no le importaba, ya que poco tiempo después ordenó la grabación de su tercer LP, el One Step Beyond.

One Step Beyond (1969) Para la grabación de este trabajo, se decidió reunir nuevamente a los Watch Band clásicos, con excepción de Aguilar, que fue sustituído por el vocalista Danny Phay, quien ya había formado parte de una primera encarnación del grupo.

A pesar de no contar con la presencia de Aguilar, quien se había encargado de componer los temas propios del No Way Out, en One Step Beyond la mayoría de composiciones son originales y el resultado es el de un disco notable en el que ofrecen el sonido crudo de los Watch Band junto con guiños al folk y al rock ácido, por el que empezaba a interesarse parte del grupo.

Así se podría decir que es un álbum muy hippie que recoge influencias de Jefferson Airplane, Grateful Dead y Moby Grape (incluso cuentan con la colaboración del guitarrista Jerry Miller en Devil's Motorcycle), entre otros. Es un disco que gracias a notables canciones como Uncle Morris, I Don't Need No Doctor (única versión que encontramos aquí), Flowers o Fireface sorprenderá a todos.

Con One Step Beyond volverían a fracasar comercialmente, separándose en 1970, pero siendo reivindicados años después por recopilatorios como los Nuggets y por grupos garageros de los 80, convirtiéndose así en la banda de culto que son hoy en día.

No Way Out (1967)

The Inner Mystique (1968)


One Step Beyond (1969)

The Electric Prunes !



Grupo de garage procedente de Los Angeles caracterizados por melodías pop, guitarras fuzz y reverberaciones que convertía a sus canciones en excitantes experiencias psicodélicas. Formado en 1965 y compuesto inicialmente por el guitarrista y cantante Jim Lowe, el guitarra líder Ken Williams, el guitarra rítmica James "Weasel" Spagnola, el bajista y teclista Mark Tullin y el baterista Preston Ritter.
El grupo fue descubierto por el productor Dave Hassinger, quien también trabajó con The Rolling Stones, The Seeds, Grateful Dead y Jefferson Airplane. Bajo su produccion consiguieron su primer éxito gracias al single I Had Too Much To Dream (Last Night), clásico de la psicodelia garagera que llegó al puesto número 11 de las listas de ventas. Otro single de éxito sería Get Me To The World On Time. Arropados por este éxito grabaron su primer LP en el que incluían estos dos singles y que estaba producido por Dave Hassinger.

I Had Too Much To Dream (Last Night) (1967) Se trata de una maravilla garagera en la que los ritmos frenéticos, las guitarras distorsionadas, las atmósferas ácidas y los deliciosos efectos sonoros ejercen de protagonistas, conviritiendo al álbum en un claro ejemplo de lo que se entiende por psycho-garage. Además, podemos degustar los arreglos barrocos de The King Is In The Counting House o el vodevil de The Toonerville Trolley. Realmente los Electric Prunes ejercían de interpretes, ya que la mayoría de canciones del álbum estaban compuestas por Anette Tucker y Nancie Mantz. En esta reedición, se incluyen los bonus tracks Ain't It Hard y Little Oliver. Posteriormente grabarían otro interesante disco, Underground, también producido por Hassinger, que no conseguiría el éxito de su disco debut y que ocasionó la disolución de la banda.

Ese mismo año 1967 entraría en la banda Michael "Quint" Weakley para sustituir Ritter en los tarros y se encerraban nuevamente en el estudio para grabar su segundo LP, Underground, en el que, además de seguir contando con las composiciones de Tucker y Mantz y con la producción de Hassinger, se encargaban ellos mismos de escribir la mitad de las canciones.

Underground (1967) Probablemente se trate del mejor disco de los Electric Prunes. No cuenta con un hit single tan bueno como era I Had Too Much To Dream (Last Night), pero sí con una consistencia que no veíamos en su buenísimo, pero irregular, album debut. Y es que en este Underground se puede observar un importante avance en el crecimiento creativo e instrumental de la banda. Nada mas darle al play ya nos damos de bruces con ese temazo compuesto por Lowe y Tulin que es The Great Banan Hoax, luego vienen It's Not Fair, en la que parecen convertirse en The Byrds, las más crudas I Happen To Love You, Dr. Do-Good y Hideaway y I, que recuerda un poco al White Rabbit de Jefferson Airplane. Pero lo mejor viene al final, donde nos encontramos con el salvaje single Long Day's Flight y los bonus tracks Everybody Knows That You're Not In Love, que también fue single, y su demoledor b-side, You Never Had It Better. Comercialmente el disco fue un fracaso, pero musicalmente se trataba sin duda alguna un paso adelante. En esta situación, la banda se preparaba para dar el salto a las ligas mayores con el que planeaban que sería su obra maestra, el controvertido Mass In F Minor.

Preparados ya para dejar de ser una buena banda de psycho-garage y convertirse en un grupo más respetado, Jim Lowe y sus chicos se ponen de nuevo bajo las órdenes de Hassinger para grabar el ambicioso Mass In F Minor, una ópera rock en la que fusionarían la psicodelia con los cantos gregorianos, algo que no se asemejaría en nada a sus anteriores grabaciones. El encargado de las composiciónes sería David Axelrod.

Sin embargo, unos despersonalizados Electric Prunes, que ya habían demostrado que sabían hacer buenas canciones en su anterior álbum, Underground -recordad que también hemos colgado el I Had Too Much To Dream (Last Night)-, no se sentían cómodos con el nuevo proyecto y lo abandonan en mitad de las grabaciones, con lo que Hassinger, que era el propietario del nombre del grupo (lo que demuestra quién era el que mandaba) se vió obligado a contratar a músicos de sesión como Mark Kincaid (cantante), Ron Morgan (guitarrista), Brett Wade (bajista) y Richard Whestone (baterista) para que terminasen el trabajo.

Mass In F Minor (1968) Nos encontramos ante uno de los LPs más curiosos de los sesenta. Bajo un concepto religioso, el disco está compuesto por cantos gregorianos, lógicamente, con letras en latin, que tanto nos recitan el Credo como el Gloria In Excelsis Deo. Por supuesto, el disco fue criticadísimo por todo el mundo.

Sin embargo, a nosotros no nos parece tan malo, pese a lo bizarro de la propuesta, y si no nos tomamos muy en serio lo de los cantos gregorianos, descubrimos que tiene pasajes muy interesantes con desarrollos psicoprogresivos que sin duda dejarán satisfechos a los amantes de los sonidos drogadictos.

Release Of An Oath (1968) Aunque seguía la línea del anterior álbum, Release Of An Oath da un paso más allá y en él se observa mayor presencia de orquestaciones. Además, los temas ganan en complejidad, pudiendo considerársele ya un álbum de rock progresivo propiamente dicho.

Esta vez sí coincidimos con la crítica y creemos que Release Of An Oath es mejor disco que el anterior, instrumentalmente es más complejo, más rico y no resulta tan desconcertante.

Al año siguiente, Hassinger decide que los nuevos Electric Prunes graben un nuevo disco, Just Old Good Rock And Roll, un intento de volver a los orígenes rockeros que realmente deja mucho que desear. Esto supuso el fin de la banda, aunque los Electric Prunes originales, los de los recordados hitazos garageros, volvieron a los conciertos treinta años después de su separación, rescataron antiguas grabaciones en directo, e incluso publicaron (y siguen publicando) nuevo material de estudio.

I Had Too Much To Dream (Last Night) 1967

Underground (1967)

Mass In F Minor (1968)

Release Of An Oath (1968)

miércoles, 23 de febrero de 2011

The Pretty Things !



Unos auténticos desconocidos en los Estados Unidos, los Pretty Things consiguieron un sonido mucho más crudo y salvaje que el de los Rolling Stones, adelantándose en unos doce años a los Sex Pistols y compañía.

La banda se formó en Kent en el 63. Los dos pilares eran Phil May, un cantante con una voz muy similar (por no decir calcada) a la de Mick Jagger, y el guitarrista Dick Taylor, ex-bajo de los Stones. John Stax se encargaba de tocar el bajo, y Brian Pendleton (contratado por anuncio) era el guitarra rítmica. Esta formación entraría en contacto con Bryan Morrison, que decidiría convertirse en el manager de esa extraña panda de melenudos. Jimmy Duncan, compositor, entraría también en escena como co-manager.

Jimmy y Morrison consiguieron lo que parecía imposible, un contrato con Fontana Records. Duncan se encargó también de dar un toque de profesionalidad a la banda al introducir al excéntrico batería Viv Prince (que aparecería y desaparecería a su antojo hasta ser reemplazado en el segundo Lp por Skip Alan), todo un ejemplo a seguir para Keith Moon. Morrison llegaría a decir de él: Viv era un completo maníaco. Me acuerdo que ese hombre se estuvo una vez siete días sin pisar la cama.

Después de una audición en los estudios Regent, Fontana decidió que era hora de grabar el single de debut: "Rosalyn", que llegaría a una respetable 41ª posición. Nada mal para un grupo de R'n'B tan oscuro. "Don't Bring Me Down", el segundo sencillo, llegaría al Top 10, catapultando a la fama a May y sus amigotes. Después de otro éxito alcanzado con el tercer sencillo, "Honey I Need", llegaba la hora de grabar un Lp...



En 48 horas el álbum ya estaba terminado, y no tardaría en descolocar a la gente, incapaz de asimilar un sonido tan visceral. Sin embargo, The Pretty Things llegaría al Top 10 en la primavera de 1965, y no era para menos... El Lp de debut de la banda era toda una demostración de R&B garagero, impregnado de principio a fin del espíritu del gran Bo Diddley . Grabadas casi en directo, sin alardes de producción, las canciones del Lp siguen sonando frescas hoy en día, y se le hace difícil a uno pensar que están grabadas en la misma época que "Yesterday" y demás. La versión del "Roadrunner" de Diddley es insuperable, al igual que clásicos como "Oh Baby Doll" (de Chuck Berry, otra fuente de inspiración para los Pretty), "Mama, Keep Your Big Mouth Shut" (otra de Bo Diddley) o "Big City".

Visto el éxito, los Pretty Things publicaron un segundo Lp en diciembre de ese mismo año: el inconmensurable Get The Picture?. El Lp, grabado en Stanhope Place (donde la banda había grabado todo su material), mostraba a unos Pretty Things mucho más familiarizados con el trabajo en estudio y los procesos de producción. El por entonces omnipresente Jimmy Page intervino en algunas canciones en su papel de músico de sesión. Como novedad, el Lp también mostraba el interés de May y Taylor en la composición de canciones, que firmaban joyas como "Can't Stand The Pain" o "Buzz The Jerk".



La banda no publicaría un nuevo álbum hasta 1967, con la llegada de los hippies y las florecillas... Emotions dejaba de lado a Bo Diddley y compañía y se decantaba - cómo no - por la psicodelia. Pese a sus reticencias iniciales, las canciones iban acompañadas de unos pomposos arreglos de violín que poco o nada tenían que ver con el estilo original de la banda. S.F. Sorrow (1968) sería el experimento que seguiría a Emotions. Adelantándose en un año a los Who y su Tommy, S.F. Sorrow era la primera ópera rock de la historia (hasta que se diga lo contrario). El resultado fue una obra muy estimulante y novedosa, el mejor trabajo de la nueva etapa de la banda.
Poco después Taylor abandonaba la formación, haciendo zozobrar el barco. Pero Taylor y los demás no aflojaron, y en el 70 publicaban Parachute, Lp del año según la prestigiosa revista Rolling Stone.

Los Pretty Things desaparecerían en 1980, después de media docena de Lps, y ya en los 90 se unirían esporádicamente (con May incluido) para celebrar los inevitables conciertos nostálgicos (y también porque hay que mantener las mansiones y los cochecillos de alguna manera).

Y esta ha sido la historia de los Pretty Things, una de las bandas más influyentes de su época pese al poco éxito alcanzado fuera de su país. Los dos primeros Lps son auténticas Biblias del garage y punk bien entendidos, auténticas muestras de buen R&B. Así pues, coloquemos a esta banda donde se merece, al ladito de los Stones, unos santurrones a su lado.

The Pretty Things (1965)

Get The Picture? (1966)

Pass: phrockblog.blogspot.com

Emotions (1967)

S. F. Sorrow (1968)