lunes, 11 de octubre de 2010

Son House !



Eddie James "Son House" Jr. nació en Riverton, Mississippi, el 21 de marzo de 1902. En sus primeros años era muy religioso. De niño asistía regularmente a una iglesia cercana a su casa donde cantaba en el coro. Fue predicador hasta los treinta años, pero su afición por el whisky y el blues tocado con una guitarra slide hicieron que abandonara su anterior oficio y se convirtiera en bluesman. Su padre tocaba la trompa en una banda local, lo cual podría haber sido una influencia para el joven House de haberlo visto actuar, lo cual no se sabe con certeza, ya que sus padres se separaron cuando contaba con muy pocos años, quedándose con su madre, con la que se fue a vivir más al sur, a Tallulah, Louisiana.

"Son" trabajó desde muy niño con sus manos, recogiendo musgo para fabricar colchones de los árboles cerca de Algier, Lousiana. Al morir su madre empezó a recorrer el delta, desde Memphis hasta Arkansas para terminar en Louisiana. Trabajó esporádicamente en numerosas plantaciones, arando, recogiendo y cortando algodón. De hecho, cogió su afición por los sombreros estilo cowboy durante una temporada de trabajo en un rancho ganadero de Lousiana. Sin ser un gran guitarrista, House poseía la sonora voz de un cantante de gospel. "Preachin´ the blues" es una de sus canciones más famosas y, casi con toda seguridad, autobiográfica. En 1930 coincidió con Willie Brown en una sesión de grabación a la que Charley Patton les invitó. En el transcurso de esta sesión Brown y House se hicieron amigos rápidamente, trabajaron juntos afincados en la ciudad de Robinsonville y se convirtieron en los reyes del blues del norte del Delta durante los siguientes treinta años.

Cuando Willie Brown murió, House aceptó un trabajo en el ferrocarril de Rochester y se alejó de la corriente principal de actividad del blues, hasta que en 1964 fue redescubierto por unos investigadores que le convencieron para que reemprendiera su carrera. Ese mismo año tocó en el Festival de Newport. Al Wilson, del grupo Canned Heat, fue uno de los que motorizaron el retorno al blues. Durante varios años "Son House" sorprendió a todos con la fuerza de su auténtico blues del Delta. Llegó a tocar en el Carnegie Hall y firmó un contrato con la CBS. Su álbum "Father of the Folk Blues" alcanzó un considerable éxito. En los años siguientes se presentó en un gran número de festivales, tanto en los EEUU como en Europa.

El 19 de octubre de 1988, en la ciudad de Detroit, Eddie James "Son House" Jr. falleció, no sin antes haber influenciado decisivamente a una nueva generación de bluesmen, entre los que destacaba un jovencito llamado Robert Johnson.

Durante la gran migración de los negros sureños del campo a las ciudades a comienzos de los años 20, "Son", animado por las historias del próspero norte, se trasladó a St. Louis, Missouri. Encontró trabajo en una factoría de acero en East St. Louis, Illinois. Ganaba un dólar a la hora, que ya era más que lo que pagaban por las labores agrarias en Mississippi. No tardó mucho en regresar al Delta nuevamente, pues era un espíritu vagabundo.

En una ocasión en Matson, Mississippi, pudo contemplar una actuación improvisada de los

guitarristas Willie Wilson y Ruben Lacy, que se consideran sus primeras influencias y mentores, sobre todo Lacy puesto que de Willie Wilson apenas se conoce casi nada.

En 1928 fue encarcelado en la "granja" Parchman del estado de Mississippi por asesinato, al haber disparado a un hombre durante una fiesta en la que estaba ebrio. Un par de años después un juez volvió a analizar su caso y lo dejó en libertad. Entonces se traslada a Lula a ver a unos parientes, lugar donde conoció y trabó amistad con Charley Patton.


Son House - Father Of The Delta Blues: The Complete 1965 Sessions

Part 1
Part 2

Elmore James !



Decidido sin vacilar, se me ocurre pinchar algo visceral, con olor a tugurio y madrugada. El whisky en la mesa, la chica bailando con los ojos cerrados y el tipo sentado absorto en esos acordes vagabundos. Una tormenta eléctrica invadiendo el garito. Y el cuerpo me pide Elmore James, el gran Elmore James.

Máximo exponente de la técnica bottleneck con la guitarra eléctrica, James modernizó el blues con su riff y su sonido de raíces del Delta. Aunque nació y creció en el sur, puede ser considerado un bluesman de Chicago, la ciudad en la que desarrolló y grabó su estilo inconfundible. James representa al blues que más me apasiona, al blues agresivo, excitante, eléctrico y fiero. Sur emparentado con la electricidad de Chicago, al modo de Muddy Waters. Sin James, no estarían cosas que me revuelven el alma como John Mayall, Fleetwood Mac, Allman Brothers o Stevie Ray Vaughan. Y es por eso que me Elmore James suena así de fresco, décadas después.

Alineación al centro

Fue una persona con un carácter difícil, con una vida privada bastante agitada (llegó a casarse en tres ocasiones), y limitado por sus continuos excesos con el alcohol, lo que desembocó en su muerte por infarto con sólo 45 años. En lo musical basta decir que nació en el Delta del Mississippi, donde recibió la notable influencia de Robert Johnson, y ya en 1937 era un guitarrista profesional muy competente. Otra faceta destacada de James es su gran capacidad como "bandleader", siendo uno de los pioneros en 1939 en formar una banda de blues en el Delta. Por esa época empezó a usar la guitarra eléctrica y a descubrir con pasión las nuevas posibilidades que le ofrecían la amplificación y la distorsión. En 1951 llega su consagración con el éxito de Dust my broom, y se traslada a Chicago, donde en 1952 nace su banda The Broomdusters, un conjunto de excelentes músicos ensamblados a la perfección. Seguirán años de mucha actividad, pero su prematura desaparición en 1963 privará a James del reconocimiento público que seguramente hubiese adquirido con el resurgimiento del blues que se produjo en la década de los 60.

Elmore James siempre permanecerá asociado a la "slide guitar", pero sería una injusticia no admitir que fue un artista mucho más creativo y complejo. Su música osciló entre la continuidad y la evolución, y su peculiar técnica en el uso de la amplificación alta anticipa el posterior estilo de la guitarra de rock duro.


sábado, 9 de octubre de 2010

Mike Laure !


Uno de los cambios de giro más trascendentes de la historia de la música popular en castellano fue protagonizado por un joven cantante y guitarrista, oriundo de un pueblo del estado mexicano de Jalisco. Fanático del rock and roll, Miguel Laure Rubio (1937–2000) escuchó a principios de la década de los '60 el sabio consejo de los ejecutivos del sello Musart y dejó atrás su pasión por Bill Haley para entregarse a los brazos de la cumbia. El resultado: con "Tiburón a la vista" (1966) pasó de ser reconocido en los salones de baile de las ciudades de su región a animar con sus discos las fiestas caseras de casi toda América Latina.

Sin embargo, con el cambio de rumbo no desechó todo su bagaje artístico y ahí estuvo una de las claves de su triunfo. En la alineación de su banda de parientes mantuvo saxos y clarinetes usados en su paso por el rock and roll y el swing; y también persistió con el nombre de su grupo: Mike Laure y Sus Cometas. Mike (como suena, y no maik) acompañó al mismo tiempo su reconocible y contagiosa voz con sonoridades propias de su acervo, como la del acordeón. El resto de la fórmula corrió por cuenta de las composiciones interpretadas y este compilado, parte de la colección "Íconos kitsch", recoge algunos de sus éxitos más representativos.


Están la inquietante historia del taxi "Cero 39", con el chillón declamar de su coro alternado con improvisaciones de los vientos sobre el sólido sustento rítmico del piano; la suave dosis de doble sentido de "La agarradera" y el clásico "La banda borracha", con su sandunguero despliegue de diálogos teatrales. También hay documentos arqueológicos: una declaración abierta de apoyo al acoso sexual como "La secretaria" difícilmente hubiera podido hacerse popular entre sociedades con legislaciones modernas. Una canción como "La colegiala", en tanto, continúa sorprendiendo por la serena dignidad con que aborda el ancestral melodrama inspirado por las diferencias sociales en una relación de pareja.
Sin embargo, por encima de las temáticas, Mike Laure representa para varias generaciones un recuerdo de jolgorio doméstico, de bailes con familiares y vecinos, refrendado por la consistencia de la más familiar de las nostalgias. Aquéllos que llaman naca (algo así como "flaite") su música en su país natal de seguro son fans de Paulina Rubio. Busque en su memoria y sabrá usted en qué bando prefiere alinearse.





John Coltrane !


Esta obra compuesta de cuatro partes, fue concebida en cinco días en los cuales Coltrane pasó aislado en el piso de arriba de su casa solo en compañía de un lápiz, papel y su saxo, meditando, escuchando y escribiendo la música que oía en su interior, dando forma así -en palabras del propio Trane- a esta humilde ofrenda a Dios. Para nosotros, una intensa plegaria hecha música, dotada de un apasionado sonido y una potente energía, una magna confesión de su devoción y espiritualidad. Pasó como un suspiro.

John William Coltrane nació en Nueva York en Setiembre del ´26 y falleció en Julio del ´67. Tenía sólo 40 años, y si embargo le alcanzó para subirse al podio de esos pocos tipos que logran cambiar de raíces el sentido hacia donde va la música. John Coltrane fue un músico clave, que rompió esquemas, y que su talento interpretativo con el saxo fue sólo superado por su creatividad compositiva. Quizás, como acuerda la mayoría, junto a Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y Miles Davis y algún otro, puede afirmarse que se trató de uno de los mejores de la historia del jazz. Te la hago corta. Trane, como lo llamaban los amigos, refundó el estilo de hacer música con “A Love Supreme”. Allí se acabaron los temas de 3 o 5 minutos, se experimentó e improvisó en grabaciones en estudios, se combinaron saxos tenores y altos, y se cargaron de “mensaje” los fraseos interminables y complejos que le eran característicos. Es a partir de Trane que los solos de los instrumentos “viajan” sobre bases rítmicas definidas y organizadas. Estas cuestiones técnicas, (que se podían reconocer antes en Ellington por ejemplo), rompieron con el molde musical que luego daría origen al rock experimental, y posteriormente, al progresivo. John se nutría de sonidos hindúes o árabes para elaborar su música, y sobre una base “hard bop” da nacimiento al conocido free jazz.

A Love Supreme fue uno de los discos más influyentes de la historia. Y para explicarte el efecto que provocó, mejor te cito comentarios de tipos a los que seguramente conocés.



John Coltrane - A Love Supreme (1964)



AcknowledgementResolution
Pursuance
Psalm

PASS: hemissroad

Charlie Parker !


Las ideas geniales tienen con frecuencia el amparo del sentido común. Cuando alguien como Norman Granz, patrón artístico de Verve, reunía en su persona afición enfermiza al jazz, veneración por los músicos, buena agenda y mejor chequera, las cosas tenían que salir bien. El concepto de la serie histórica de jam sessions auspiciadas por Granz entre 1952 y 1954 era sencillo: tomemos a los mejores artistas de la época, proporcionemos, como pretexto, un jugoso listado de standards que podían estar en el repertorio (o, cuando menos, en la educación sentimental) de casi todos ellos y dejemos que improvisen. Morosamente, con furia; alentando su disposición para explayarse e interactuar. Sin que importe que haya diferencias generacionales o de temperamento.

La ficha artística de estas grabaciones de julio de 1952 es para caer tumbado de espaldas: los resultados, también. La grabáción tiene todo el nivel de exquisitez que podía permitir un estudio de la época y, además, la sensación de fiebre y el crescendo ceremonial de un directo en el que todo marcha viento en popa. No falta ni el momento vaso rodante.

Charlie "Bird" Parker era un músico sin igual. En su amplia discografía, hay pocas grabaciones en las que los cortes sean de más de cinco minutos de duración; 'Jam Session' es una de las excepciones más notables. Respaldado por una banda de estrellas - incluyendo a gigantes como Johnny Hodges, Ben Webster, Benny Carter y Oscar Peterson -, Parker se extiende con una exuberancia fuera de norma en los largos temas (cada uno de más de 13 minutos) que componen este álbum. El talento reunido es tal que el resultado no podía ser otro que la obra maestra que tenemos entre manos. El album esta compuesto por dos blues, "Blues Jam" con un solo tras otro - todos realmente inspirados - incluyendo uno del genio de la guitarra Barney Kessel. La presencia y virtuosismo de Charlie Shavers a la trompeta y Flip Phillips al saxo merecen por si solas la compra del disco. En "Funky Blues", Parker nos muestra lo que es realmente una jam session. Es un blues de fácil ritmo que se desarrolla deliciosamente con un Benny Carter que pocas veces sonará con la dulzura que aquí lo hace o un impresionante Ben Webster al tenor. Los otros dos temas que conforman el disco son "What Is This Thing Called Love" de Cole Porter y un medley de baladas que incluye "All The Things You Are", "Dearly Beloved", "The Nearness Of You", "I’ll Get By", "Everything Happens To Me", "The Man I Love", "What’s New?", "Someone To Watch Over Me" y "Isn’t It Romantic". Lo más notable, sin duda, es el aire de blues que se respira en todo el álbum.




Jam Blues
What Is This Thing Called Love
Ballad Medley
Funky Blues